2009/3/29(일)

그리스도의 십자가 고난

 
 


그리스도의 십자가 고난
1100년경, 프랑스, 청동 도금, 높이 27.2, 대영박물관

이 그리스도상은 청동제로 본래 십자가에 부착되었던 것이다. 
프랑스의 앙제미술관 소장 명품과 견줄만한 수준의 유일한 작품이다. 
그리스도가 십자가 위에서 숨을 멈추었을 때의 고통스런 모습과, 
또 그러한 그리스도의 인간적인 모습을 통해 동정을 
불러 일으키고자하는 작가의 의도가 잘 표현되어 있다. 
앙상하게 드러난 흉부와 마른 다리가 노출되어 
그리스도의 매우 야윈 모습을 볼 수 있다. 
양 팔은 결손된 상태인데, 이미 숨을 거둔 육신을 강조하고자 
아주 길게 과장되게 조각되었을 가능성이 크다. 
이러한 표현형식은 아주 효과적이서 
이 시대에 제작된 많은 그리스도상에 자주 응용되었다. 
이 상은 로마네스크 시기의 대다수 청동제 그리스도상에 비해 
매우 큰 편에 속한다. 
모델링과 그 표면처리에 있어 그 섬세함이 뛰어난데, 
특히 머리칼과 턱수염의 이중 곱슬처리가 돋보인다.

 



          

2009/3/10(화)

그리스도의 고난

 
 


그리스도의 고난

브라만티노 (Bramantino) 본명은 Bartolommeo Suardi. 
1455경 밀라노~1536 밀라노.이탈리아의 밀라노파 화가·건축가.
도나토 브라만테의 제자이며, 
독자적인 작가로서 기괴한 요소를 띤 표현적인 양식이 특징이다.

초기활동은 1490년경부터 시작한 것으로 보인다. 
이 시기의 대표작으로는 기괴하지만 흥미를 끄는 
(양치기들의 경배 Adoration of the Shepherds, 밀라노 암브로시아나 도서관)가 있다. 
16세기초 그는 1년의 12개월을 상징하는 12개의 태피스트리(밀라노 카스텔로 스포르체스코)와
2점의 프레스코 (성모 마리아 Madonna, 밀라노 브레라 미술관)
(성 마르티누스 St. Martin, 밀라노 브레라 미술관)를 제작했다.

 



          

2009/3/8(일)

최후의 만찬

  
 
레오나르도 다빈치- 최후의 만찬  
작업일 1495 ~ 1498  크기/속성 421 x 910 cm, 유채 
소장 밀라노 산타 마리아델 그라체 성당 

 
레오나르도 다빈치- 최후의 만찬 (부분) 

  
레오나르도 다빈치- 최후의 만찬 (부분)  


* 작품 해설 
"너희들 중에 한사람이 나를 팔리라"라는 말이 그리스도의 입에서 흘러나온 직후 12제자의 
놀라움과 동요를 테마로 하고 있는 최후의 만찬은 중세 이후 많은화가들에 의해 작품화 되었지만 
레오나르도의 이 작품처럼 긴박감을 주는 것은없다. 

12제자들의 정신적 충격을 묘사하기 위해 채택된 치밀한 구도는 주관적인 인간의 정신을 
객관화 시키는데 기여하고 있다. 중앙이 그리스도, 그의 오른편부터 도마 야곱 빌립보의 그룹, 
마태 타다이 시몬의 3인이고 그의 왼쪽에는 요한 베드로 유다의 그룹, 
안드레 작인 야곱 바르톨로메인데 그리스도는 완전히 정 삼각형의 구도이고 나머지 그룹은 
이등변 삼각형으로 치밀하게 계산되어 있다. 가장 유명한 그림 중의 하나인 <최후의 만찬>은 
대단히 순하면서도 대가다운 구성을 보여준다. 이그림에서 레오나르 도는 배신자 유다를 
묘사하는 통상적인 전통적 표현을 따르지 않고 '나와 함께 먹는 자가 나를 배신할 것이다.' 라는
신약의 구절과 관련된 고도로 긴장된 순간을 묘사했다. 
이 그림에서 유다는 등을 구부린 채 이의를 제기하거나 하지 않고 다른 제자들의 논쟁을 듣고 있다. 
사도들은 세 명씩 네 그룹으로 분명하게 나뉘어 있지만 전혀 부자연 스럽지 않으며 다양한 
동작을 통해 서로 연결돼 있다. 감상자는 단지 그리스도를 통해서만 해방될 수 있는 
제자들의 내적 갈등과 긴장을 감지하게 된다. 

레오나르도가 밀라노에서 그린 최후의 만찬은 많은 부분이 훼손되었지만 
아직도 보는 사람들을 사로잡는 매력을 가지고 있는 최고의 걸작이다. 
1495∼1498년 동안에 산타 마리아 델레 그라치에 수도원의 식당에 그린 이 세계적 명작은 
완성 직후부터 손상되기 시작했다. 문제의 근원은 습기 때문에 썩기 시작한 벽을 
보수 공사하면서 원작을 많이 손상시킨 데에 있었다. 

1556년에 출판한 <미술가 열전>이라는 저서에서 바사리는 그림이 너무 많이 훼손되어서 
희미한 매체 외에는 아무 것도 볼 수 없다고 전하고 있다. 1796년에는 이탈리아를 점령한 
나폴레옹 군대들이 <최후의 만찬>이 있는 방을 마구간으로 사용했다. 
1943년 제2차 세계대전 중 공중 폭격의 유탄에 맞아 식당 자체가 무너졌으나 사려 깊은 
수도장이 쌓아놓은 모래 가마니 덕분에 명작의 벽을 기적적으로 파괴를 면했다. 
이 비운의 걸작은 1943년 벽에서 떼어내어지고 캔버스에 옮겨져 습기와 차단되어졌다. 
1977년 이후 하루에 한 평방 인치씩만 작업하는 보수작업과 청소작업을 단행하여 5백 년 동안 
쌓인 먼지와 곰팡이, 그리고 다른 화가가 덧칠한 오일을 깨끗이 청소함으로써 원작의 화려한 색과 
견실하고 생동감 있는 인물들의 개성이 되살아났다. 지금은 <최후의 만찬>을 보러 가는 관광객들이 
가지고 온 공해와 먼지를 유리로 된 첫 번째 방에서 기계가 털어주고, 그 다음 방에서는 
신선한 공기를 다시 공급받아서 작품 앞에 다가가도록 하는 과학적인 보전장치가 되어 있다. 

<최후의 만찬>의 주제는 예수가 십자가에 못 박혀 죽기 전에 마지막으로 만찬을 갖는 
신약 복음서의 이야기다. 흔히 이 주제는 수도원의 승려들이 함께 식사하는 식당에 즐겨 
그려져 있었다. 레오나르도의 <최후의 만찬>도 예수가 마치 사제들과 함께 식사하는 것 같이 문에 
들어가 뒤돌아 서서 보는 벽 위에 그려져 있다. 전통적으로 최후의 만찬을 예수를 한가운데에
앉히고 제자들은 식탁 양쪽에 예수를 판 가룟 유다는 안드레아 델 카스타뇨의 <최후의 만찬> 
그림에서와 같이 다로 식탁 건너편에 외롭게 앉히곤 했다. 레오나르도는 가룟 유다도 
다른 제자들과 함께 앉히는 관용을 베풀었다. 그러나 돈주머니를 움켜쥐고 있는 가룟 유다는 
유일하게 어두운 그늘에 앉혀 빛 가운데 앉은 다른 제자들과 구별시켰다. 

사실 레오나르도의 <최후의 만찬>은 제목만 같을 뿐 다른 작품들과는 전혀 다름 작품이다. 
레오나르도는 '너희중의 하나가 나를 팔리라'라고 폭탄 선언한 예수의 말씀에 제자들이 
배신감과 자책감에 심리적으로 동요되는 극적인 순간을 택했다. 
예수가 빵을 들어 축도하는 종래의 평범한 장면을 그는 폐기했다. 또 드라마틱한 순간을 
강조하기 위해 그는 제자들을 세 사람씩 한 그룹으로 결속시키고, 또 좌우 여섯 명에 
연대시키고 12사도 전체를 연관시켜 감정의 회오리바람을 그림에 도입했다. 
그래서 예수와 제자들 개개인뿐만 아니라 그룹 전체가 갖는 모든 표정, 동작, 제스처(Gesture)가 
이러한 극적 효과를 높이는 기능을 하도록 세심하게 배려했다. 괴테가 지적했듯이, 
이탈리아에서는 사람의 몸 전체가 생동감 있게 표현되고 정서와 열정과 생각이 신체의 동작에 
민감하게 나타난다. 손의 제스처는 이탈리아 사람에게서만 볼 수 있는 특이한 표현 동작이다. 

자연스럽게 보이는 예수와 제자들의 위치도 실은 레오나르도가 치밀하게 계획하여 배치한 것이다.
먼저 그리스도의 오른편 첫 번째에는 사랑하는 제자 요한이 앉아 있고, 성질이 급한 베드로는 
요한의 어깨를 잡고 누가 배신자인지 물어보려는 듯 일어서고 있다. 베드로가 오른손에 식사 때 
쓰는 칼을 쥔 채 칼자루로 앞에 있는 가룟 유다의 옆구리를 본 아니게 건드려 유다가 기절할 듯이 
앞으로 넘어지면서 소금 그릇을 엎지르는 장면을 통해 멋진 긴장 효과를 냈다고 괴테는 말했다. 
유다 뒤에는 베드로 의 동생 안드레아가 열 손가락을 펴서 놀라움을 표시하고, 
그 뒤 좌석의 요한의 큰형 야고보가 팡릉 펴서 베드로의 어깨에 손을 댄다. 
그들은 예수의 참다운 제자들이며, 만찬상 맨 끝의 식탁에 두 손을 짚고 몸을 지탱해 서 있는 
바르톨 로메오와 함께 짝을 이룬다. 요한에게 손을 뻗은 베드로처럼 야고보는 베드로에게 
손을 벋어 처음 세사람과 다음 세사람의 그룹을 함께 연결시킨다. 그리스도의 왼편에는 
예수의 용모와 제스처를 닮은 예수의 동생 야고보가 양쪽 팔을 벌리고 비극을 예감한 듯이 
공포에 쌓여 있다. 야고보 뒤에는 의심 많은 토마가 검지손가락으로 자기 머리를 가리킨다. 
그 곁에서 빌립보가 가슴에 두 손을 얹고 자기의 순결을 주장한다. 
이 세 사도들도 한 그룹을 이룬다. 그 다음 그룹의 마태는 두 동료에게 얼굴을 돌리고 그리스도 
쪽으로 두 손을 뻗는다. 작은 야고보의 동생유대는 갑작스런 사태를 믿을 수 없다는 표정이다. 
한 손으로 식탁을 짚고 다른 손은 식탁을 내리칠 듯이 들어올린다. 식탁 맨 끝에는 성 시몬이 
대단한 위엄을 보이며 앉아 있다. 이들 두 사도들은 같은 날에 순교해 같은 날 기념된다. 

모든 사도들은 '너희중의 하나가 나를 팔리라'는 예수의 선언에 제각기 다른 반을 보인다. 
각 제자들의 흥분과 공포는 오른편에서 왼편으로 증폭되고 그들의 몸짓과 손의 동작에 나타나 있다. 
자기의 진정한 듯을 알리지 못해 불안과 공포에 떠는 제자들과는 달리 예수는 자기의 숙명을 
인식하고 조용히 외롭게 앉아 있다. 침착한 마음의 상태를 알리듯 예수 앞의 식탁은 
제자들의 것과는 달리 질서정연하다. 제자들을 휩쓸고 있는 격정의 파도를 초월하여, 
그리스도는 자신을 희생하여 인류를 구원할 준비가 되어 있다는 단호한 의지를 보여 주고 있다. 

예수의 고난과 희생의 정신이 이렇게 고상하게 표현된 것은 레오나르도의 <최후의 만찬>이 
처음이다. <최후의 만찬>은 작품의 내용뿐만 아니라 형식에 있어서도 걸작 중의 걸작이다. 
레오나르도는 한정된 비좁은 공간에 초자연적인 크기의 제자상을 그렸다. 
그는 제자들의 동작을 통해 여유 있고 넓은 공간을 확보했다. 또한 레오나르도는 원근법과 
색채를 이용해 넓은 공간과의 조화를 획득했다. <최후의 만찬>은 최근의 화학적 청소작업을 
통해서 깨끗이 복구되어 레오나르도의 색채에 관한 탁월한 재능을 입증했다. 

이 그림에는 빛의 두 근원이 있다. 하나는 저녁 노을이 시골의 매력적인 풍경을 보여주면서 
뒷 창문으로부터 들어오고, 또 하나는 식당의 앞 창문을 통해서 들어온다. 
그리스도가 입은 붉은 겉옷과 소매 없는 청색 덧옷이 그 앞에 있는 흰 접시에 투영되어 있다. 
빌립보 앞의 접시도 빌립보의 겉옷의 붉은색을 반영한다. 그리스도의 오른편에 앉아 있는 
작은 야고보의 옅은 녹색 옷은 그리스도의 청색 덧옷과 빌립보의 붉은 옷 색 사이에 일종의 
전이된 색이다. 두 번째 그룹의 마태의 밝은 청색 옷과 유다의 황토색 튜닉 그리고 양홍빛 보라색은 
삼색현을 형성한다. 그리스도 왼쪽의 요한, 베드로, 유다로 구성된 그림 중 유다의 회청색 옷은
그 톤이 불확실하고 죄인복처럼 어둡다. 이는 요한의 짙은 붉은색 덧옷, 청록색 튜닉의 강한 색과
베드로의 옷소매의 짙은 청색과 대조적인 조화를 이룬다. 왼쪽 끝의 그룹은 배경이 어둡기 때문에 
더 풍요로운 색깔이 필요했다. 황금색 속옷 위에 녹색 겉옷을 입은 안드레아와 붉은 옷을 입은 
야고보 그리고 보라색 계통의 청색 튜닉에 짙은 올리브 색 겉옷을 입은 바르톨로메오는 
더 밝은 오른편 바깥쪽에 선 그룹과 여행되도록 세심한 배려를 했다. 
요약하면, 색은 그리스도의 옷에 나타나는 순수한 기본색조에서 양쪽으로 섬세하게 
더욱 섞여 가는 혼합된 색조로, 그리고 가장자리에서는 더욱 화려한 색채로 변한다. 
 
           




          

2009/3/2(월)

가시면류관(카라밧지오)

 

 

가시면류관 , 카라밧지오 (Michelangelo da Caravaggio, 1573~1610.7.18)

본명 Michelangelo Merisi. 베르가모 근교의 카라바조 출생. 
초기 바로크의 대표적인 화가이다. 1584년 밀라노의 화가 시모네 페테르차노에게 
사사하고 그 후 로마로 가서 처음에는 빈곤과 병고로 비참한 생활을 하였으나, 
뒤에 추기경 델 몬테의 후원으로 화가로서 이름을 떨치기 시작하였다. 
초기에는 정물과 초상을 치밀한 사실기법으로 묘사하여 바로크미술양식을 확립하였는데, 
우피치미술관의 《바쿠스》, 루브르미술관의 《여자 점쟁이》 《성모의 죽음》, 
로마에 있는 산루이지 데이 프란체시성당의 《성마태오의 순교》, 
바티칸궁전에 있는 《그리스도의 죽음》 《로사리오의 성모》 《나자로의 부활》 등 
성모와 성자를 모델로 로마에 사는 빈민의 모습을 등장시킨 그림들을 보면 
그는 빛과 그림자의 날카로운 대비를 기교적으로 구사하고, 형상을 힘차게 
조소적(彫塑的)으로 묘사함으로써, 근대사실(近代寫實)의 길을 개척하였다.
(두산백과사전)






          

2009/2/23(월)

다윗과 밧세바(Bathsheba)

 
 

다윗과 밧세바(Bathsheba),  1562, 마시스

마시(Quentin Massys) 메치스,마시스 , Matsys, Metsys, Messys라고도 씀
1465/66경 브라반트 공국(지금의 벨기에) 루뱅~1530 안트웨르펜.
플랑드르의 화가.
안트웨르펜 유파를 창시한 중요한 예술가이다. 
고향 루뱅에서 대장간 일을 배운 마시는 어느 화가의 딸과 
사랑에 빠진 뒤 그림을 공부했다고 한다. 
1491년에 안트웨르펜으로 가서 화가 길드에 가입했다





          

2009/2/19(목)

롯과 두 딸(골치우스)

 
 

롯과 두 딸, 골치우스 (Hendrik Goltzius)

골치우스 (Hendrik Goltzius) 1558 네덜란드 뮐레브레흐트~1617. 1. 1 하를렘.
정교한 세밀화로 유명한 네덜란드의 판화가.

아버지로부터 유리에 그림 그리는 것을 배웠으며 후에 인그레이빙을 배워, 
겁탈당한 로마의 부인 루크레티아 이야기를 1벌의 판화로 만들었다. 
그는 돈많은 과부와 결혼한 덕분에 하를렘에서 독자적인 개인사업을 시작할 수 있었고 
1590년 독일과 이탈리아를 여행한 것을 빼고는 평생을 그곳에서 살았다. 
그의 세밀화 초상은 세련미와 인물의 성격묘사면에서 뛰어난 작품이다. 
그가 만든 초상 중에는 실물 크기로 그린 자신의 초상이 가장 훌륭하다. 
그의 판각 실력은 뒤러도 따를 수 없을 정도였다지만 
회화에서는 그다지 뛰어나지 않았던 것으로 보인다.





          

2009/2/14(토)

동방 박사들의 경배 투시도(습작)

 


레오나르도 다빈치(Leonardo da Vinci 1452 ~ 1519) - 동방 박사들의 경배 투시도 (습작)
이탈리아 르네상스기의 화가, 조각가, 과학자, 기술자, 철학자. 

초기의 미완성 걸작인 <三王來朝>에는 성모자, 노인, 말 등의 데생이 많이 남아 있는데 
이 데생은 배경의 원근법적 공간을 위한 습작이라고 생각되어 진다. 
모든 선이 오른쪽 중앙을 초점으로 모여 있는 수학적인 완벽한 원근법 속에서, 
뛰어 다니는 말의 무리와 사람들이 이중 노출의 이미지처럼 떠 올라 온다. 
정(靜)과 동(動)의 신기한 융합이 <三王來朝> 속에서 전개되고 있는 것이다. 
또한 이 기묘한 투기장인지 폐허 같은 건축은 도나텔로의 어떤 릴리프에서 
빌어온 것이라고도 일컬어지는데, 당시 고대 유적 발굴에 대한 레오나르도의 관심을 
나타내고 있는 것이라고도 생각된다.